Joan Miró (1893–1983) a dit un jour dans une phrase mémorable qu’il voulait « assassiner la peintre ». Aujourd’hui, il est considéré de manière unanime comme l’un des plus grands artistes du XXe siècle. La Schirn Kunsthalle Frankfurt consacre une exposition monographique à un aspect jusqu’à présent peu abordé de son œuvre : sa préférence pour les grands formats et sa fascination pour le motif du mur.
 Joan Miró, Peinture (Personnages: Les frères Fratellini), 1927, huile sur toile, 130 x 97 cm, Fondation Beyeler, Riehen/Basel, Sammlung Beyeler ©
Successió Miró / VG Bild-Kunst, Bonn 2016.
Dans sa pratique picturale, le mur était le point de départ – à la fois un objet à dépeindre et une source d’inspiration pour le rendu de la texture. Miró s’est éloigné de la simple reproduction de la réalité et a assimilé le tableau plan au mur. Il en a exploré la structure en tentant d’en abolir les frontières spatiales. Ce qui explique le soin avec lequel il a sélectionné ses matériaux et préparé le fond de ses tableaux tout au long de sa carrière. L’artiste a utilisé différents matériaux - des toiles blanchies, de la toile d’emballage rêche, de la Masonite, du papier de verre et du papier goudronné - afin de créer un monde visuel d’une extraordinaire présence.
Dépasser la composition traditionnelle
L’exposition couvre sa carrière sur plus d’un demi-siècle, en commençant avec La Ferme (1921/22), dans laquelle Miró décrit le mur de briques de l’étable avec une extraordinaire minutie (ses défauts, ses traces de plantes et d’insectes, ses craquelures) en même temps que la vie quotidienne dans l’exploitation familiale de Mont-roig, au sud de Barcelone. Elle continue avec les tableaux oniriques des années vingt dont Peinture (Personnages : Les frères Fratellini), au bleu captivant, et avec Peinture (La Magie de la couleur, une œuvre emblématique de 1930. Au moyen d’un langage formel sobre, elle décrit le mur en soi comme aucune autre tableau. Deux grandes taches, l’une rouge l’autre jaune, entourées d’un espace vide fait de peinture blanche, illustrent les tentatives de Miró de dépasser la façon traditionnelle de composer une image.
 Joaquim Gomis, Joan Miró, 1944 © Hereus de Joaquim Gomis, Fundació Joan Miró, Barcelona.
Après les frises, peintes sur des matériaux non conventionnels dans les années quarante et cinquante, l’exposition s’achève sur les créations finales comme le monumental triptyque Bleu I–III (1961) et l’extraordinaire Peinture I–III (27 juillet 1973), qui confirment la foi inébranlable de Miró dans le pouvoir de suggestion des murs nus, et, par conséquent, des peintures murales, un élément fondateur de l’expressionnisme abstrait. Elles témoignent aussi de la vitalité créatrice de l’artiste jusque dans son grand âge. Dans l’esprit de Miró, il était essentiel que son art soit directement accessible au public. En accord avec cette volonté, l’exposition se conclut sur deux compositions extraordinaires pour l’espace public, montrées à l’échelle originale. Il s’agit du Mur de la lune et du Mur du soleil, conçus autour de 1957 pour le siège de l’Unesco à Paris. Les travaux préparatoires révèlent son souhait d’étudier toutes les possibilités offertes par des céramiques de grand format. Ils sont en même temps un exemple parfait de la réaction de Miró aux défauts trouvés sur les murs nus et de sa méthode de travail, qui pouvait débuter avec une petite esquisse et mener à des peintures monumentales.
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